Maddalena Mazzocut-Mis

dal catalogo

“Dalle 5 alle 7. Opere 20011 - 2014”

 

A Claudio…

 

Alle cinque della sera

Credo che ti possa piacere questo inizio: “la pensiamo allo stesso modo”. E allora ci vorrebbe un bel punto e basta. Lasciamo che l’opera parli; che parli il suo respiro e, più ancora, che la sua forma ci colga impreparati, quando all’improvviso, volgendo lo sguardo, ci cattura negli spazi trasparenti che disegna.

Se è così, facciamo in modo che la nostra timidezza faccia avanzare la protagonista e che lasci nell’ombra due persone che mangiano una buona pizza sotto un grande albero, un mezzogiorno di primavera. No, tu preferiresti un buon gelato, tra le cinque e le sette, dopo una giornata di lavoro: due chiacchiere e quel tempo che scorre calmo, perché tutto segue, almeno in quelle due ore, un suo ordine. Poiché ci si culla nel pensiero dell’altro, mentre sai che il tuo dire verrà accolto nello stesso modo. Questo si chiama godimento, forse è un godimento estetico. Quel godimento di quando tutto è a posto, in armonia durante quelle due ore, all’imbrunire.

Poi l’ansia riprende e le paure ritornano.

Perché un artista, che conosce bene il suo lavoro, è sempre lucidamente consapevole della fatica, dell’impegno, del tempo, ma non del risultato. Non si arrende e cerca e, nel cercare, non teme. Dopo, quando la ricerca è finita e tocca con la mano il materiale, per essere curvato, orientato, modellato, plasmato, trasformato, la paura arriva, subdola e nello stesso tempo acuta e benefica. La paura che è responsabilità.

La scultura non svanisce come un verso nel vento. I filosofi dell’Ottocento, Rosenkranz tra questi, mettevano la scultura, poco sotto l’architettura, tra le arti che avevano la minor possibilità di rappresentare il brutto. La giustificazione era banale, ma non scontata: se sbagli un verso lo getti e ne fai un altro: in poesia, quindi, l’errore può essere introdotto a piene mani. Ma se sbagli quando inizi a lavorare il materiale… l’errore resta. Errore rispetto al progetto, errore rispetto alla resa che il progetto poteva avere, errore rispetto alla propria immaginazione che si modifica, si adatta alla nuova forma, ma magari non l’accoglie fino in fondo.

Tu non hai sbagliato. Non lo dico io. Non lo dice nessuno e a nessuno importa ciò che è giusto o sbagliato in una scultura. Importa a te e tu sai di non aver sbagliato. Perché nel fare, nel produrre, durante il lavoro, mi hai confessato di essere stato felice. La mano ferma, l’animo sereno. Il tuo godimento deve diventare il nostro.

 

Leggerezza

Poesia della leggerezza pensosa. C’è qui un richiamo esplicito a una citazione, ma non la voglio ricordare. Rispetto e condivido il tuo non voler andare alla ricerca di maestri o di citazioni per convenzione (puoi accettare però che ti citi esplicitamente). Maestri che impongono un marchio interpretativo. Il passato c’è ma solo per riviverlo e trasformarlo.

Tu parli di atomi che si trasformano. Atomi di cui ogni cosa è fatta. Atomi democritei o epicurei. Forse nessuno dei due. Atomi che rendono la materia mobile, vivente, perché ogni materia e ogni materiale può diventare carne.

Parli di presenze nebulose e leggiere come il vapore che nella sua consistenza sa ricoprire le cose e le trasforma quando un raggio di luce lo illumina o un alito di vento lo muove.

Sei affascinato da ciò che è vago e fluttuante. Mi dici:

 

Così un albero incontrato, ogni volta che lo si rivede, non è più quell’albero. È sempre un po’ diverso, ancor di più perché l’abbiamo ricordato, magari disegnato o scritto su un appunto. Uno sguardo mobile e rotante: il suono (meglio: la ri-sonanza, …l’“nnng” del suono del go-nnng, per così dire…) ci avvolge da tutte le direzioni: dal basso, da sopra, da dietro, dal fianco… Uno spazio sonoro lungo l’orizzonte, che non è il semplice vedere, che si fa mormorio e persino memoria, al quale, in un istante, è dato risvegliarsi per tornare a disdire nuovamente ogni colore, ogni profilo, ogni contatto o presenza odorosa. Oltrepassa la mia vista, travalica i sensi, in una sintesi immediata del sopra e del sotto, dell’a fianco, del vicino e della distanza. Rilke direbbe che è così che gli angeli rendendo mobile e alitante quel che attraversano, mutando col suono il tempo e lo spazio... Anch’essi, come me – sono sicuro – cercano vie poco battute per affacciarsi sulla soglia e scomparire (imprevisti, così come erano giunti) messaggeri di un esistere solingo, in disparte, per lasciarsi occupare da una presenza irraggiungibile, purché sia essa a farsi incontro.

 

La leggerezza, allora, come le ali dell’angelo, porta le sue ragioni che vanno oltre le convenzioni. Permette di vedere, durante il volo, il mondo dall’alto, da un’altra angolazione, che non è il risultato del caso, ma di una libertà regolata dalle leggi della tecnica e del progetto. L’opera d’arte si muove all’interno di un percorso che va dalla sua necessità alla sua libertà, poiché l’artista, che è geometra, meccanico e poi artigiano, è anche un progettista cosciente e abile.

 

Progetto

Guardo gli schizzi di ???titolo????. Che cos’è rimasto? Tutto e niente. Nel progetto si affollano linee e direzioni. Quelle sono rimaste. Direzioni che sostengono e direzioni che indicano. Direzioni, infine, che significano. Quelle che sostengono si riconoscono subito: sono i punti di appoggio. Quelle che indicano segnano la via da percorrere e lo sguardo non ne può fare a meno. Spostamenti che si bilanciano, muovendosi, e occupando lo spazio. Direzioni che significano: perché l’opera, che ho ora di fronte fatta e finita, è, prima di tutto, un teatro. Un teatro nelle intenzioni e un teatro nella realizzazione. C’è il sipario, ci sono le quinte, un fondale, una scenografia e tutti i personaggi. Che cosa stanno recitando? A ognuno di noi scoprirlo.

Lo schizzo o il progetto è stato il tuo modo di “ragionare su carta”; un punto d’appoggio iniziale. Poi l’opera ha preso vita nella sua realizzazione. Un telo via l’altro, una porta via l’altra, una quinta via l’altra e infine l’opera. Ma sopra e sotto di essa, sopra e sotto ciò che è calcolato, misurato, costruito, modellato, l’aria, che attraverso le forme, inizia a prendere la sua direzione, a frastagliarsi intorno ai materiali, a infilarsi, a modellarsi su ogni nervatura, negli spazi, nei pertugi diventando plastica più del materiale. La plasticità del vuoto che è leggerezza piena di forma.

Leggerezza pensosa è anche la timidezza: pudore di un dire che non aggiunge nulla al fare. È vero. Ma forse, spingendo un po’ l’aria tra gli anfratti, qualche cosa sibilando si può dire. Iniziamo dalla forma in formazione. Infatti, mentre i corpi viventi, la materia vivente vivono nell’istante e nell’istante si trasformano, la forma scultorea, nella sua fissità, è inesorabile evidenza che lentamente si cancella e cancellandosi porta tutti i segni della memoria. Il corpo che con la mano modella la forma – che è quindi di sangue e di carne – non sparisce ma emerge nell’esito finale. Il risultato è “stile” (parola un tempo abusata). Lo stile vivifica le forme perché è un segno distintivo, possibilità di riconoscimento. Una forma senza stile non ha segni che la orientino. Non è questione di interpretazione, ma di direzione, di movimento nello spazio. Evasivo, certo; ma anche per evadere dobbiamo avere una freccia. Di qua, di là. Si può anche tornare indietro, come ci si può perdere in un labirinto. Orientarsi per disorientarsi.

 

Disorientarsi

Il divenire eracliteo di contro all’essere di Parmenide, cioè la rivincita del qualitativo soffocato dal quantitativo: la scultura è materia che, senza abbandonare un gioco di forme geometriche, rivendica la propria peculiarità all’interno della sensibilità. La previsione e il calcolo ti sono familiari ma per dare spazio all’“inutilità” pensosa della forma artistica. L’arte rivendica così la propria forza di interprete del mondo. Ogni forma, come l’ondeggiare delle cime degli alberi in un bosco, le onde del mare, la curva della baia sabbiosa, il profilo delle colline, la forma delle nuvole, porta con sé un mistero morfologico e la sua soluzione a noi ancora sconosciuta. Rievocare quelle forme è il segreto. Perché, lo so, nel momento in cui pensi che la tua opera sia la realizzazione di un “teatro”, non metafisico, ma plastico e ricco di vita, nella tua mente si affaccia il bosco e, insieme a esso, la nebbia, che non è altro che una grande nube dalla forma sempre cangiante, nella quale potremmo essere immersi. Nebbia senza qualità definite, codificabili. Perché la forma precisa, stabile, immutabile gode di un limite disegnato o individuabile punto per punto. In questo caso, l’ideale della conoscenza è il solido cristallino, dove l’escluso è il fluttuante, quel pulviscolo di immagini che formano i nostri mondi soggettivi, e che tu evochi continuamente.

Sottomesse all’alterazione e alla corruzione, le forme sono invece in continua metamorfosi. Il numero degli elementi perturbanti, che incide sul loro mutare dinamicamente qualitativo, rende la loro evoluzione non tanto imprevedibile quanto vitale e per questo sconosciuta nella sua genesi e nei suoi risultati.

La tua opera vive all’aperto, sotto il sole, sotto la pioggia. Vive in una piazza, tra la gente. Determina un orientamento e, a sua volta, viene determinata dallo spazio circostante. Si trasforma nel momento in cui la sua visione non è più frontale. Ci giriamo intorno, è mattina, è pomeriggio, è sera. Vivrà della luce e dei colori di ciò che la circonda; vivrà del vento e soprattutto della pioggia che modificherà le sue sfumature, creando, come sulla pelle matura, le rughe. Mai vulnerabile e sempre vulnerabile perché soggetta a ogni variazione.

La forma scultorea implica un’idea di movimento che, tuttavia, si rapporta a quell’elemento più stabile che è la materia: un principio stabile e un costante divenire, che ricorda il lavoro del tuo braccio e della tua mano tesi alla realizzazione. Ore di fatica per un corpo che dimentica se stesso per farsi strumento. Ecco il movimento del fare.

 

Nebbia

The fog comes
on little cat feet.

It sits looking
over harbor and city
on silent haunches
and then moves on
[1].

 

Tu ami la nebbia ed è nella nebbia che recuperi il passato. La nebbia nasconde e disvela, crea distanza e all’improvviso avvicina. Riaffiora un ricordo alla memoria che era scomparso e ora riappare diverso, quasi nuovo. Mi scrivi citando, Edmond Jabès,

 

sfarzo del voluto silenzio

ai piedi il ciarpame delle parole[2].

 

Parole spesso inutili, “quanto sacrileghe”, quando vogliono spiegare ciò che invece si deve solo attendere. Aspettiamo, dunque, che si mostri. Perché tu lo sai bene, nella nebbia tutto è mobile, fugace, sorprendente, avvolgente e lontano, ma prima o poi appare.

 

Nell’istante in cui vi entro non lascio tracce: ingoiato da una sensazione di tenebra pur nel giorno pieno. Il suolo è l’apparizione di pochi centimetri: più in là, di nuovo, il lucore del nulla. Non sapere se a pochi passi di distanza da me ci sia qualcun altro, ci sia ancora, ci sia mai stato, fa parte di questa attrazione ben più evocativa dell’esperienza diretta.

 

Credo, anzi sono certa: ti piace il bianco, opaco o trasparente. Quello che passa tra le griglie, tra le maglie, nei fori. E quello che si appoggia e rimbalza. Ti piace il bianco della nebbia e il bianco del sole a mezzogiorno, d’estate.

 

Un bianco zinco rende metallico ogni gesto e mi impone, pur col mio passo lento di sudore, di annullarmi una volta per tutte. Non c’è differenza tra l’intorpidimento di quest’ora e quel che accade nella nebbia: così implacabile e violento da non dare via di scampo. In quest’ora, su questo sentiero, nessuno ha voglia di apparire. Qui e nella nebbia è la luce che comanda. Il disorientamento è al colmo. Forse, la morte non viene dal buio come si crede, ma dal biancore d’argento violento, piuttosto.

 

Quel bianco composto, come racconti, di atomi erranti e vorticosi. Un bianco che non è cecità ma sole e nebbia: ciò che illumina, ciò che confonde.

Nulla di statico sotto il sole, nulla di statico dietro la nebbia. È il sogno della scultura che si anima, che vive, che si muove. Un sogno che si rispecchia nel gioco degli equilibri che non è stasi ma movimento. Un volgersi a sinistra che subito riceve un contrappeso, che consente di non rovinare verso il basso ma che al contempo non sorregge del tutto. Un appoggio, come il bastone per l’anziano o come il primo passo del bambino che ne chiede subito un secondo e così via, all’infinito.

 

Teatro delle forme

La forma come proporzione, come adeguata disposizione delle parti è manifestazione di una finalità che è nella mente dell’artista e si riverbera negli occhi di chi la contempla. Ma scopo di un’arte ‘vivente’ è anche quello di valorizzare quell’elemento sensibile, organizzato in funzione della sua specifica e particolarissima ‘vita’, che individua nella forma essenzialmente la sua metamorfosi. La forma è, in tal caso, la manifestazione di una necessità non solo in quanto risultato dell’azione di leggi fisiche e determinazioni geometriche. La tua scultura risponde a tutti questi significati formali. È proporzione, rapporto tra le parti, determinazione fisico-geometrica, metamorfosi vitale. Fogli di acciaio corten che si saldano, formando porte, quinte, tende, che si metamorfosano nel loro divenire ruggine, nel loro invecchiare come ogni elemento della natura, mostrando i segni della vita, le rughe che raccontano una storia. Così il teatro, luogo della rappresentazione delle forme, diventa bosco che ondeggia spinto nella direzione di un simbolico vento che è la tua mano.

Ma quale rappresentazione si sta svolgendo sulla scena? È il sogno di A Midsummer Night. Un bosco incantato che si riempie non tanto di gnomi e fate, ma di bambini che entrano ed escono, si nascondono e ricompaiono, lanciandosi la palla del mondo.

Mi piace molto quel contrasto tra la verticalità e una rotondità piccola, non tanto accennata, quanto timidamente evidente. Una sfericità che impone la sua presenza, la sua personalità. Una sfericità retaggio di una perfezione latente nell’armonia dei rapporti.

 

Arrivederci

Sono le 19, la tua ora preferita (adesso che è ormai piena primavera). Il mio compito è finito e anche il tuo. Non certo quello della tua opera che rivive ogni giorno negli occhi dei passanti. La strada è il museo a porte aperte.

Allora riprendiamo a gustare il nostro gelato. Mi viene ancora un’idea. Descriverti. No, non fisicamente: noi mutiamo troppo in fretta. In quella tua schiva presenza che si afferma con un sorriso franco e sincero. Nella tua ricerca mai astratta e sempre fattiva: è qui che vinci la tua personale sfida. Una timidezza che sa imporsi come l’opera d’arte che, senza urlare, mostrandosi, inevitabilmente mostra, rivelando al sentimento, alla percezione, la pienezza della sua presenza reale, concreta e insieme possibile. Un’opera che ricorda la natura nella sua incertezza, nella sua instabilità. Un’opera che diventa quel “naturato” dove presentiamo il “naturante”, cioè l’ispirazione che è, in primo luogo, un corpo che si scontra e incontra con la materia.

Prima di salutarti concedimi un’ultima citazione:

 

È un tempio la Natura ove viventi

pilastri a volte confuse parole

mandano fuori; la attraversa l’uomo

tra foreste di simboli dagli occhi

familiari. I profumi e i colori

e i suoni si rispondono come echi

lunghi che di lontano si confondono

in unità profonda e tenebrosa,

vasta come la notte ed il chiarore…[3]



[1] Carl Sandburg.

[2] Edmond Jabès.

[3] Charles Baudelaire.

 

Maddelena Mazzocut-Mis

 

A Claudio…

 

At five in the evening

 

I think you’ll like this beginning: “we think the same way”. And so, that’s that. But how about we let the works speak, that its breath speaks and, even more, that its form takes us unawares, when suddenly, turning our glance, it captures us in the transparent spaces that are drawn.

 

If it’s like that, let’s see that our timidity makes the protagonist come forward and leaves the two people eating a good pizza under a big tree on a summer midday. No, you prefer a good gelato, between five and seven in the evening, after a day’s work: a little chat with the time passing calmly, because everything follows, at least in those two hours, in its order. We’re lulled in the thoughts of each other, while you know that what you say is taken in the same way. That enjoyment when everything is alright, in harmony during those two hours, at dusk.

 

Then the anxiety comes back and fear returns.

 

Because an artist, who knows his work well, is always lucidly aware of the labour, of the work, of time, but not of the result. He doesn’t give up and he searches, and in that searching, he isn’t afraid. Afterwards, when the search is over and he touches the material with his hand, to make it curved, to orient it, to model, shape and transform it, fear comes, sly and at the same time acute and beneficial. The fear that is responsibility.

 

The sculpture doesn’t disappear like a verse in the wind. The philosophers of the nineteenth century, Rosenkranz among them, placed sculpture, just under architecture, amongst the arts that had the least possibility of representing ugliness. The justification was banal, but not predictable: if you make a mistake you throw it away and make another: in poetry, therefore, the error can be introduced with both hands. But if you make a mistake when you begin working the material… the error remains. Error regarding the project, error regarding the output that the project could have, error regarding its own imagination that changes, adapting to the new form, but perhaps not getting it completely.

 

You didn’t make a mistake. I don’t say it. No one says it and no one is interested in what is right or wrong in a sculpture. It matters to you and you know you didn’t make a mistake. Because in working, in producing, during the process, you confessed to me that you were happy. The steady hand, the calm mind. Your enjoyment must become ours.

 

Lightness

Poetry of a thoughtful lightness. There is an explicit call for a quotation, but I don’t want to do it. I respect and share your not wanting to go in search of maestri or quotations for convention (however, you can accept that I site you explicitly). Maestri who impose an interpretive mark. The past is there, but only to be relived and transformed.

 

You speak of atoms that transform. Atoms that everything is made of. Democritean atoms or Epicurean atoms. Perhaps neither. Atoms that make material move and live, because all matter and every material can become flesh.

 

You speak of hazy presences as light as vapour, which in its consistency know how to rediscover things and transform them when a ray of light illuminates them or a gust of wind moves them.

 

You are fascinated by all that is vague and changeable. You tell me:

 

So a tree you encounter, every time you see it again, isn’t the same tree. It’s always a little different, even more because we remember it, maybe drew it or wrote about it. A moving and revolving glance: the sound (better: the resonance, …the “nnng” of the go-nnng sound, so to speak…) embraces us from all around: from below, from above, from behind and beside us… A sonorous space as far as the horizon, that isn’t just seeing, but is murmuring murmured and even memory, to which, in an instant, is given a reawakening to return to erase again every colour, every profile, every contact or perfumed presence. Crossing over my view, it passes the senses, in an immediate synthesis of above and below, from the side, near to far. Rilke would say that that’s how the angels make what they pass through move and blow gently, changing time and space with sound… Even they, like me – I’m sure – look for roads less travelled to look over the threshold and disappear (suddenly, just as they were reached) messengers of a solitary existence, left aside, to allow themselves to occupy an unreachable presence, as long as it is she who appears.

 

The lightness, then, like the wings of an angel, carries your reasons far beyond conventions. It allows us to see, while flying, the world from above, from another angle, which isn’t by chance, but due to a controlled freedom in the technical laws of the project. The work of art moves within a path that goes from its necessity to its freedom, seeing as the artist, who is surveyor, mechanic and then artisan, is also the conscious and able designer.

 

Project

Look at the sketches of ???titolo???. What’s left? All or nothing. In the project lines and directions abound. Those remain. Directions that support and directions that indicate. Directions, finally, that mean something. Those that support are immediately recognisable: they are the footholds.  Those that indicate mark the path to be taken and the glance can’t do without them. Movements that create balance, moving themselves, and occupying the space. Directions that mean something: because the work, which is finished in front of me, is first of all, a theatre. A theatre in the intentions and a theatre in its achievement. There is the curtain, the screens, a backdrop, a scenography and all the characters. What are they performing? It’s up to each of us to discover.

 

The sketch or the project has been your way of “reasoning on paper”; a starting foothold. Then the work came to life in its achievement. One cloth after another, one door after another, one screen after another until the work is done. But above and below it, above and below that which has been calculated, measured, constructed and modelled, the air that crosses through the form begins to take a direction, to indent around the material, to insert itself, to model itself on the nerves, in the spaces, in the openings, becoming more plastic than the material. The plasticity of the empty space that is the lightness of the form.

 

A thoughtful lightness is also the timidity: a shyness of saying something superfluous about  the work. It’s true. But perhaps, pushing the air a little between the clefts, something murmured can be said. Let’s start with the form in formation. In fact, while living bodies, living material lives in the instant and in the instant transformed, the sculptural form, in its steadiness, is inescapable evidence that slowly is erased and erasing itself brings signs of memory. The body with the hand that sculpts the form – which is therefore the blood and flesh – doesn’t disappear, but emerges in the final result. The result is a “style” (a word at one time abused). The style brings the form to life because it’s a distinct sign, a possibility of recognition. A form without style has no signs that orient it. It’s not a question of interpretation, but of direction, of movement in space. Evasive, of course, but also to escape we have to have an arrow. Here, there. You can even turn around, just how you can get lost in a labyrinth. Orient yourself to disorient yourself.

 

Disorient yourself

The Heraclitean becoming in contrast to the concept of being Parmenides, that is the revenge of the qualitative suffocated by the quantitative: the sculpture is material that, without abandoning a game of geometric forms, claims its own peculiarity within the sensibility. The conjecture and calculation are familiar to you, but to give space to the thoughtful “uselessness” of the artistic form. Thus, art claims its own strength as interpreter of the world. Every form, like the waving of the treetops in a forest, the waves of the ocean, the curve of the sandy bay, the profile of hills, the forms of clouds, brings with it a morphological mystery and the solution is still unknown to us. Recalling those forms is the secret. Because, I know, in the moment in which we think that your work is the achievement of a “theatre”, non-metaphysical, but plastic and rich with life, in your mind it is the forest and, with it, the fog, which isn’t anything else but a big cloud with an ever-changing form, in which we can immerse ourselves. A fog without definite definable qualities. Because the precise form, stable, unchangeable, enjoys a limit, drawn or distinguishable, at each and every point. In this case, the ideal of the consciousness is the crystalline solid, where fluctuation is excluded, that fine dust of images that form our suggestive worlds, and that you continually evoke.

 

Subject to change and decay, the forms are instead in continual metamorphosis. The number of perturbing elements, which has a bearing on their dynamic qualitative change, renders their evolution not so much unpredictable as vital and for this unknown in its origin and in its results.

 

Your work lives out in the open, under the sun and rain. It lives in a piazza among people. It determines an orientation and in turn, is determined by the surrounding space. It transforms in the moment in which its viewing is no longer frontal. We walk around it, it’s morning, afternoon, evening. It lives in the light and colours that surround it, in the wind and, above all, the rain which changes its shades, creating, as on mature skin, wrinkles. Never vulnerable and always vulnerable because it’s subject to every variation.

 

The sculptural form implies an idea of movement. However, it relates to that more stable element: the material, a stable principle and a constant becoming, which recalls the work of your arms and your outstretched hands during its achievement. Hours of work for a body that forgets itself to become an instrument. This is the action of the work.

 

Fog

The fog comes

on little cat feet.

 

It sits looking

over harbour and city

on silent haunches

and then moves on.

 

You love the fog and in the fog you recover your past. The fog hides and unveils, creates distance and suddenly becomes close. A memory that was missing re-emerges and now appears different, almost new. You write to me, citing Edmond Jabès,

 

splendour of the wanted silence

at the feet of a scrap of words.

 

Words are often useless, “how much sacrilege”, when they want to explain what you just need to wait for. We wait, then, for you to show us, because you know well, in the fog everything is unstable, fleeting, surprising, enveloping and faraway, but sooner or later appears.

 

In the moment in which I enter I leave no trace: swallowed by a sensation of darkness even in full daylight. The ground is the apparition of just a few centimetres: further on, again, the light of nothing. Not knowing if just a few feet away is someone else, if they are still there, if they were ever there, is part of this attraction very well evoked by direct experience.

 

I believe, rather I am certain: you like white, opaque or transparent. That which passes between the grid, between the tangle, in the holes. It’s that which is supported and reflects. You like white in the fog and white in the midday sun, in summer.

 

Zinc white makes every gesture metallic and forces me, even with my slow sweaty steps, to nullify myself once and for all. There’s no difference between the sluggishness of this hour and that which happens in the fog: too relentless and violent to give an escape route. At this hour, no one wants to be on this path. Here the fog is the light that commands. The disorientation is at a peak. Perhaps, death doesn’t come from the darkness like we believe, but instead from the violent whiteness of silver.

 

That white composed, like a story, of atoms and whirlings. A white that isn’t blindness but sun and fog: that which illuminates, that which confuses.

 

Nothing is static under the sun, nothing is static behind the fog. It is the dream of sculpture that comes to life, that lives, that moves. A dream that is mirrored in the game of balance, which isn’t stasis but movement. A turning to the left that immediately receives a counterbalance, allowing it to neither collapse nor raise completely. A support, like the cane of an old man or like a child’s first step when he asks to take another right away, and then another, infinitely.

 

Theatre of forms

The form as proportion, as stable disposition of the parts, is the manifestation of an objective that comes from the artist’s mind and is reverberated in the eyes of those who contemplated it. But the aim of “living” art is also valorising that sensitive element, organised in function of its specific and particular “life”, which individuates its metamorphosis in the existential form. The form is, in this case, the manifestation of a necessity not only as the result of the action of physical laws and geometric determinations. Your sculpture responds to all these formal meanings. It is proportion, relation between the parts, physical-geometric determination, vital metamorphosis. Sheets of welded weathering steel forming doors, screens and curtains, which transform in their becoming rusty, in their aging like every natural element, showing the signs of their life, the wrinkles that tell a story. Thus, the theatre, a place of the performance of form, becomes a forest that moves, pushed in the direction of a symbolic wind that is your hand.

 

But what performance is being played out? It is the dream of A Midsummer Night. An enchanted forest that is filled not so much with gnomes and fairies, but with children who enter and exit, hide and reappear, throwing each other the sphere of the world.

 

I really like this contrast between the verticality and a little roundness, not so marked as evidently shy. A roundness that imposes its presence, its personality. A roundness that is the heritage of a latent perfection in the harmony of relationships.

 

Arrivederci

It’s 7 pm, your favourite hour (now that it is Spring). My work is done and yours too. Obviously not that of your work, which relives everyday in the eyes of passersby. The street is a museum without doors.

 

So, let’s go back to enjoying our gelato. But I have another idea: to describe you. No, not physically: we change too fast. In your shy presence proved by a frank and sincere smile. In your search that is never abstract, but always active: it is here that you win your personal challenge. A shyness that knows how to impose itself like a work of art that, without yelling, shows itself and inevitably reveals to the sentiment, to the perception, the fullness of its real, concrete and possible presence. A work that recalls nature in its uncertainty, in its instability. A work that becomes “natured”, the inspiration that is, in the first place, a body that collides and meets with other matter.

 

Before saying goodbye, let me just quote this:

 

Nature is a temple where living

pillars at times confused words

send out; man crosses her

between the forests of symbols of familiar

eyes. The perfumes and the colours

and the sounds respond like long

echoes that from afar confuse themselves

in a profound and dark unity,

vast as the night and the dawn…